Jeewi Lee
Einen Moment nach dem Betreten der Galerieräume vernehmen wir die Klaviertöne, die vom Ende des Flurs erklingen. Der Verlockung widerstehend, treten wir in den großen Galerieraum, der uns mit einer raumgreifenden Bodeninstallation von Jeewi Lee begrüßt. Um unsere Imagination in Gang zu setzen, setzt die Künstlerin immer wieder mit Vorliebe auf die Absenz, fehlt doch in vielen ihrer Werke der eigentliche „Akteur“. Solche Akteure können Individuen oder eine ganze Zirkustruppe, aber auch konkrete Kräfte wie Feuer, Zeit oder schlicht das Wetter sein. Jeewi Lee lenkt unseren Blick auf die Markierungen und Spuren, die nach den Eingriffen der Akteure zurückbleiben. Aus diesem Spiel zwischen Abwesendem und Anwesendem entsteht eine imaginative Spannung, die der „Ausgangs- und Bezugspunkt für ihre materiellen Narrationen“ sind. Die Betrachtung ihrer Werke beginnt also am besten beim konkreten Werkstoff, in unserem Fall bei den auf dem Boden liegenden dunkelgrauen Biberschwanz-Dachziegeln. Sonnenverfärbungen, Moose und Ablagerungen lassen vermuten, dass diese bereits ein Leben vor dem Galeriedasein hatten. Mit ihrer Geste, ein Dach sichtbar zu machen, öffnet Lee den Raum nicht nur metaphorisch, sondern sie macht damit sichtbar, wie sich die Umwelteinflüsse auf dem Material eingeschrieben und jeden Ziegel zu einer einzigartigen Malerei gemacht haben. Jeewi Lee erklärt diese Verwitterungsspuren zu Zeichen der Zeit, die nicht nur bildwürdig, sondern symbolisch sind. An den Wänden finden wir ein gedankliches Pendant dazu, aber hier sind es Böden als Bilder, die dem Dach als Bodenbild gegenüberstehen: Neue Arbeiten aus der Serie Past Tense, in denen Architekturfragmente – hier Teile von Böden, die mit Hanji-Papier ausgekleidete wurden – Verwendung gefunden haben. Das handgeschöpfte Papier wird in Korea traditionell zur Verkleidung von Türen, Fenstern, Möbeln und Wänden, aber auch von Fußböden genutzt. Lees Bodenbilder erzählen uns von ihren ursprünglichen Orten, den Ereignissen und der vergangenen Zeit, die sich in das Material eingeschrieben haben. Diese haben das Papier markiert und zu einer einzigartigen Lichtzeichnung – einem Langzeitfotogramm – gemacht.
Gleichermaßen reduziert und wohl bedacht bei der Herleitung der Formen sind die Werke von Taslima Ahmed, deren Schaffen sich an der Schnittstelle zwischen digitaler Bildproduktion, Drucktechniken und Malerei verorten lässt. Auf den ersten Blick scheinen ihre Leinwände seltsam leer und malerisch divergent zu sein, sodass wir uns zunächst an Motiven festhalten: Ein Pinselstrich, welcher die Form eines in sich gedrehten Proteins darstellt und einen Verweis auf die „Jungen Wilden“ der 1980er Jahre enthält, eine Impasto-Geste auf einem seltsam technisch anmutenden Untergrund und natürlich der superrealistisch wirkende Leguan, dessen Schwanz einen Spray-Punkt – eine Referenz an Stephen Prina? – hinterlassen hat. Die „Ausgangsmaterialien“ und Referenzen dieser Bilder der Reconstructor-Serie sind vielfältig und legen doch nahe, dass sie aus dem Spannungsfeld zwischen künstlicher Intelligenz und menschlicher Wahrnehmung, aus einem Bereich immer organischerer Interdependenzen zwischen Menschen und Computern entstammen. Kurz darauf erkennen wir, dass diese Werke keine klassischen Acryl- oder Ölgemälde sind, sondern mittels UV-Drucktechnik entstanden – eine Technik, die haptische Oberflächenstrukturen zulässt und auch zur Herstellung von Brailleschrift verwendet werden kann. Ahmed nutzt diese Technik, um die Illusion und Haptik analoger Malerei für ihre digital gemalten Werke zu rekonstruieren. Ahmed’s reduzierte, aber perfekte Werke – deren Ausgangspunkte medientheoretische Überlegungen oder malereigeschichtliche Referenzen sein können – zeigen uns wie spannend und komplex Malerei sein kann, die auf dem smarten Einsatz von KI und Technologie fußt.
